Saw 5
2008 - Etats Unis
Budget: 10 millions $
Box office: 56 millions $
Genre: Horreur
Réalisation: David Hackl
Musique: Charlie Clouser
Scénario: Patrick Melton et Marcus Dunstan
Avec Tobin Bell, Costas Mandylor, Scott Patterson, Betsy Russell et Lyriq Bent

Le détective Hoffman a décidé de continuer l'œuvre de Jigsaw et devra tout mettre en œuvre pour protéger son secret... en éliminant tous ceux sur le point de découvrir son lien avec le tueur au puzzle...

Ah mais oui, c’est… Mais bien sur ! Hein ? Ah… Saw 5. Non bah en fait, non, vraiment. Après un désastreux quatrième opus toujours signé Darren Lynn Bousman, et écrit par les scénaristes de la trilogie Feast, voilà que débarquait l’année dernière le cinquième opus. Grand changement, Bousman laisse enfin la place à un autre réalisateur, et c’est donc David Hackl qui s’occupe de mettre en boite ce nouvel opus. Voilà qui aurait pu apporter un peu de sang frais à une saga en chute libre. Mais finalement, on ne remarque pas la différence tant le produit qui nous est proposé est similaire à ce que l’on a déjà vu depuis 5 films. Quand au scénario, n’en parlons même pas… Enfin il va bien falloir tout de même. Jigsaw est toujours mort, depuis le troisième opus, mais on ne l’a jamais autant vu à l’écran depuis. Saw 5 commence là où s’arrêtait le quatrième opus, c’est à dire à la fin du troisième film. Vous suivez ? Non ? Ce n’est pas grave, de toute manière, le scénario en lui même va un peu dans tous les sens pour nous faire croire que tout était prévu depuis le début. Du coup, en plus de se compliquer, quelques incohérences tombent par ci par là. En quelques mots, c’est le bordel, mais qu’importe. Saw 5 tente de continuer dans la direction des précédents opus, tout en s’axant surtout sur de nouveaux éléments. Ainsi, les pièges seront, dans ce film, peu nombreux, et surtout, très peu vicieux ou sanglants. L’histoire est principalement coupée en deux parties. Nous suivons d’un côté l’agent du FBI Strahm, qui survit miraculeusement au début de cet opus, dans son enquête sur les meurtres de Jigsaw. Occasion pour les scénaristes de tenter à nouveau de tout relier, notre brave agent va revenir sur les lieux des crimes de tous les précédents opus. Des liens qui ne servent pas toujours à grand chose, mais cela semble leur faire tellement plaisir qu’on ne va pas les vexer.

D’un autre côté, nous retrouvons 5 personnes enfermés, qui vont devoir subir une série de tests. En gros, rien de bien neuf à l’horizon, la même intrigue avec quelques liens en plus que l’on retrouve à chaque opus. Mais ici, l’intrigue semble vouloir prendre un tournant plus policier que horreur, les pièges sont peu nombreux (environ 4) et ne tiennent que sur une infime partie du film. Le film garde pourtant sa structure narrative si chère à la saga, parfois confuse ici, avec une scène choc en ouverture et un twist final. Bien entendu, arrivé au cinquième film, la pilule a plus de mal à passer. Outre son manque d’inventivité, ce cinquième opus souffre finalement d’un manque de rythme total (on s’ennuie parfois pas mal, il faut l’avouer). Dans la forme par contre, ça ne change pas. La réalisation est toujours aussi speed et cut qu’auparavant, le fameux thème de Charlie Clouser revient une nouvelle fois en fin de métrage. Au niveau de la photographie, on retrouve également tout ce qui a fait le succès de la saga, mais beaucoup plus de scènes se déroulent dans l’obscurité totale, juste éclairées par une lampe torche. Petit détail technique qui ne change finalement pas grand chose, il faut bien avouer. Comme dit plus haut, Jigsaw est mort depuis maintenant deux opus, mais on ne finit pas d’en apprendre toujours plus sur lui. Malheureusement, à force de vouloir beaucoup trop en expliquer, le personnage perd de son ampleur, ce qui était déjà le cas dans l’épisode précédent. Dans Saw 4, nous apprenions pourquoi il est devenu ainsi (même si dans le second opus, on nous l’expliquait par une autre raison, mais soit). Nous savions à la fin du second opus qu’il avait une apprentie, nous apprenions à la fin du quatrième qu’il en avait un autre (mais il ne fallait pas le révéler avant…), ici, nous voyons sa formation de fond en comble.

Pas très palpitant finalement. Les scènes s’étendent en longueur de façon plus ou moins inutiles, et la saga continue de perdre de sa saveur. Le scénario cherche toujours à compliquer l’histoire, à mettre de nouvelles intrigues et personnages, et on peut facilement deviner l’histoire du sixième opus à l’avance (une boite mystérieuse que Jigsaw lègue à sa femme, la relève est assurée par un de ses apprentis et personne ne pourra se mettre sur son chemin). Au final, on se demande donc bien ce qu’il y a à sauver dans ce nouvel opus. Et bien finalement, nous ne retiendrons que deux choses, deux petites scènes au final très courtes, ce qui ne permet absolument pas de sauver le film et en fait le pire de la saga (quoi que, le 6 arrive, et le 7 sera en 3D…). Lors d’une courte scène, Jigsaw joue à un jeu avec le détective Hoffman, après l’avoir kidnappé. Cette scène, filmée très calmement d’ailleurs, est intéressante sur de nombreux points, notamment psychologique, et fonctionne d’elle même. Mais remise dans l’ensemble du métrage, elle ne fonctionne plus du tout, comme tout le reste du métrage. Pas mal de scènes peuvent fonctionner indépendamment, mais faisant parti d’un tout, ça ne marche pas. Le twist final, bien que vu et revu, est finalement bien mieux amené que celui de l’opus précédent, et s’avère finalement quelque peu jouissif. Mais attendre 1h30 avant d’avoir cela, sans pouvoir s’attacher aux personnages, l’intérêt reste mince. La saga continue sa chute libre, et la pente sera dure à remonter, si elle remonte un jour.

En bref : : Le plus mauvais des Saw avec le 2 et le 4, une histoire convenue, complexe pour rien du tout, une absence de gore et d’inventivité qui frappe.

The Informant!
2009 - Etats Unis
Genre: Comédie policière
Réalisation: Steven Soderbergh
Musique: Marvin Hamlisch
Scénario: Scott Z. Burns d'après le roman de Kurt Eichenwald
Avec Matt Damon, Scott Bakula, Joel McHale, Mélanie Lynskey et Thomas F. Wilson

Quelle mouche a donc piqué Mark Whitacre ? Pourquoi un des cadres supérieurs les plus brillants du géant agroalimentaire Archer Daniel Midlands (ADM) décide-t-il soudain de dénoncer les pratiques de sa société et de devenir le chevalier blanc du consommateur ? Se prend-il pour un justicier ? Un héros ? Espère-t-il une médaille ou la reconnaissance éternelle du bon peuple ? Avant d'obtenir tout cela, Whitacre va devoir fournir au FBI des preuves concrètes des manœuvres illicites d'ADM. Porter un micro, jouer les agents secrets... L'ennui, c'est qu'il a tiré lui-même des profits non négligeables des dites manœuvres, et que son témoignage, pour le moins... fluctuant, risque fort de compromettre le travail des enquêteurs. Peut-on se fier à cet homme à l'imagination galopante? Y a-t-il la moindre parcelle de vérité dans ses allégations ?

Tiré d’un roman à succès, The Informant est le nouveau film de Soderbergh, très productif, comme toujours (il enchaîne depuis 2006, alternant le bon avec The Good German, Bubble ou Girlfriend Experience, et le moins bon avec Ocean’s thirteen). The Informant est son deuxième métrage à sortir cette année au cinéma après le très réussi Girlfriend Experience, et Soderbergh en profite une nouvelle fois pour tourner son métrage rapidement, avec la caméra Red One. Une caméra numérique ayant une magnifique qualité d’image, très maniable et permettant de tourner vite et la plupart du temps en lumière naturelle. Et comme souvent, Soderbergh est son propre directeur de la photographie. Il s’entoure d’un casting plutôt réussi, avec Matt Damon, qui tourne pour la 5ème fois avec lui, et qui démontre qu’il peut jouer toute sorte de rôle, et Scott Bakula, acteur culte de la série Code Quantum, et dans Le Maître des Illusions de Clive Barker (on pourra aussi citer le sulfureux et peu réussi Color of Night). Toutes les cartes sont là pour nous offrir une comédie d’espionnage réussie, et pourtant, le film ne fonctionne qu’à moitié, que ce soit au niveau de son scénario, de ses enjeux, ou même de sa mise en image. Au niveau de l’interprétation, rien à redire, Matt Damon et Scott Bakula sont tous les deux parfaits, et le reste du casting n’est pas en reste, souvent très en retenue, on retiendra particulièrement le jeu de Joel McHale en coéquipier de Bakula, et de Mélanie Lynskey dans le rôle de la femme de Damon. The Informant nous propose donc de suivre les aventures de Mark Whitacre (Matt Damon), un cadre dans une société qui fonctionne bien. Bien payé, il aime son travail, a une femme et un enfant. La vie semble paisible pour lui. Jusqu’au jour où, sans crier gare, et sans que personne ne comprenne vraiment pourquoi, il décide de collaborer avec le FBI pour dénoncer les magouilles de son entreprise.

Cette trame, relativement simple, n’a rien de vraiment passionnante. Ce qui rendra finalement le début du film plutôt ennuyeux, difficile d’accès. Il est dur de se sentir concerné et intéressé par cette histoire, ces personnages, et il est donc très difficile, durant la première demi-heure, de rentrer dans le film. Les personnages sont nombreux, la voix off comique de Matt Damon, n’ayant souvent rien à voir avec le film, ne fonctionne pas. La mise en scène de Soderbergh, comme toujours carrée et professionnelle, peine à donner au récit un rythme, et la photographie du métrage semble plus chaotique par moment comparé à ces précédents films. Les images sont lumineuses et les lumières que l’on aperçoit sont beaucoup plus denses que dans les précédents films du metteur en scène, tournés avec la même caméra. Le rendu est moins exceptionnel que sur le Che ou Girlfriend Experience. Sans doute un parti prit, qui n’arrange pas notre capital sympathie envers le film. Le début s’éparpille un peu dans les situations, les personnages, et passé la première demi-heure, alors qu’on ne s’y attendait plus vraiment, on parvient enfin à rentrer dans le film. Et The Informant se révèle, malgré certains choix, enfin intéressant, parfois amusant, sans nous faire rire, mais sourire, et cela suffit amplement. Certes, les meilleurs passages étaient dans la bande annonce, mais on se laisse néanmoins surprendre par le jeu de Matt Damon, qui avouons le, a le film sur ses épaules. La réalisation de Soderbergh, pourtant intéressante, ne convient pas spécialement au sujet du métrage, et on préfère se laisser guider par cet homme, à priori propre sur lui, qui mène un combat avec le FBI pour démasquer ce qu’il considère comme une injustice. Damon est excellent, et surprenant de scènes en scènes, et c’est là que l’on comprend le choix de Soderbergh de traiter de son film du point de vue de la comédie légère.

Les péripéties et surtout la psychologie de Mark Whitacre sont tellement confuses et surréalistes que l’on en vient à douter que tout cela puisse arriver. L’ensemble semble gros, et le réalisateur s’amuse à aller toujours plus loin et à nous faire douter de Mark jusque dans la scène finale, ce que Matt Damon retranscrit à merveille. En le voyant, aux premiers abords, on pense à un chic type, bien sur lui, et en fouillant, on se permet de douter de beaucoup de choses, et avec lui, on se demande vraiment où s’arrête la vérité et où commence le mensonge, tant chacun de ses gestes et chacune de ses paroles sont en contradictions avec les précédentes. Manipule-t-il le FBI pour arriver à ses fins ? Sait-il lui même dans quoi il s’engage ? Seul lui le sait, si bien que les autres personnages ont toujours un train de retard (comme le spectateur) et qu’ils ne savent quoi penser de lui. C’est à ce petit jeu que The Informant se révèle concluant, mais il aura fallut attendre une première partie pour accepter certains choix et rentrer dans l’histoire, et faire abstraction de ce qui nous dérange dans le métrage. A partir de cela, on peut apprécier le film pour ce qu’il est : un film mineur dans la filmographie de Soderbergh, un film mineur tout court, mais parfois agréable et amusant, bien qu’un peu long, valant le détour pour Matt Damon, et le personnage qu’il interprète, haut en couleur.

Vampyres
1974 - Angleterre
Genre: Erotique - Vampires
Réalisation: José Ramon Larraz
Musique: James Clarke
Scénario: D. Daubeney
Avec Marianne Morris, Anulka, Murray Brown, Brian Deacon et Sally Faulkner

Fran et Myriam vivent dans un immense château. La journée, elles passent leur temps sur le bord de la route pour attirer des hommes chez elles. Après quelques verres de vins, place au sexe, et à bien plus.

Film d’exploitation du milieu des années 70 mélangeant allégrement érotisme et horreur, Vampyres, revu aujourd’hui, n’est plus ce qu’il pouvait être à l’époque. Forcément, 35 ans après, l’impact n’est plus le même. Autant la partie érotique que la partie horreur ne fonctionnent plus pleinement. Pourtant, Vampyres reste encore un film intéressant sur plusieurs points, mais dont les faiblesses ressortent encore plus. La scène d’ouverture nous met directement dans le bain et ne nous ment pas sur le produit que nous allons voir, et que nous voulons voir. Fran et Myriam sont allongées sur un lit, nues, elles s’embrassent, jusqu’à ce qu’un homme débarque dans la pièce, armé d’un pistolet, et tire jusqu’à vider son chargeur et ce que les deux femmes soient morte. Générique agrémenté de quelques images du château et de quelques plans sur des chauves-souris volant dans la nuit. Nous savons ce que le film contient, c’est ce que nous cherchions, nous n’allions donc pas être déçu. L’histoire reprend sans doute quelques temps après, alors qu’un couple de campeur s’installe à côté du château, et qu’un homme, Ted, arrive dans un hôtel non loin de là. Fran et Myriam, toujours vivante, errent sur les routes autour du château, pour attirer des hommes dans leur demeure, pour la nuit. Ted va bien entendu croiser assez tôt le chemin de Fran, et se laisser tenter par cette jeune femme l’attirant. En parallèle, nous suivons donc également ce couple de campeurs, dont la femme va être assez effrayée par ces jeunes femmes ramenant tous les jours des hommes chez elle. L’homme lui, préférera ne rien voir, fermer les yeux, et ne pas s’en préoccuper. Au final, ce couple de campeurs n’ajoute rien au récit, et ralentit même le rythme déjà lent de l’action.

Car soyons clair, l’histoire entière du métrage tient en une ligne, et le film n’a finalement pas grand chose à raconter, les scènes se suivent et parfois se ressemblent, alignant scènes de sexe et scènes de violence. Ceci dit, la violence mettra un certain temps avant d’arriver, nous faisant parfois douter du genre auquel appartient le métrage. Ted, joué par Murray Brown, ne sera pas des plus convainquant, et sera amené dans la demeure par Fran, qui aussitôt après quelques coupes de vin, lui sautera dessus. Les scènes érotiques, que ce soit entre Fran et Ted, ou entre Fran et Myriam, sont mise en boite avec beaucoup de sensualité, les plans sont beaux, comme les corps des jeunes femmes, mais cela reste au final bien gentillet, et surtout vite répétitif. Comme dit plus haut, le côté horrifique de l’œuvre mettra assez de temps avant de se dévoiler. Ceci dit, cette première partie se laisse tout de même regarder avec un certain plaisir, grâce aux efforts de la mise en scène, parvenant à créer une ambiance particulière et bienvenue, mais également grâce à la musique. Si le scénario laisse bel et bien entrevoir que le film a été tourné en trois semaines pour un budget ridicule (répétitivité de certaines actions, pratiquement un seul lieu et une route), la mise en scène et l’aspect technique du film n’en souffre pas. Mais ajoutons à ce scénario un peu léger un rythme assez lent qui ne plaira pas à tout le monde, ainsi que des dialogues parfois limites. Heureusement, les deux actrices semblent à l’aise pour jouer la comédie, mais également pour se dénuder totalement.

Mais dans tout ça, et les scènes de violence ? Et les vampires ? Même si ces deux éléments mettent du temps à arriver, c’est de là que viendra la vraie surprise du métrage. S’il s’agît bien de vampires, Fran et Myriam n’ont rien à voir avec les vampires que l’on connaît ou que l’on avait l’habitude de voir au cinéma à cette époque. Bien que pourtant des tenues classes et de longues capes noires, Fran et Myriam sont des vampires différents. Elles marchent à la lumière du jour, et n’ont pas de canines. Comment se nourrir de sang frais dans ce cas là ? La vraie grosse surprise du métrage est bien là, les deux jeunes femmes, pour se nourrir de sang, vont devoir saigner leur repas, leur faire des entailles afin de faire couler le sang et de pouvoir s’en abreuver. Ces scènes, bien que nous avons vu bien pire depuis (ou bien mieux, c’est selon), sont les meilleurs moments du métrage, ils arrivent souvent sans que l’on s’y attende vraiment et restent assez poignants. Dommage que le scénario ne soit pas aussi fouillé qu’il aurait pu l’être et soit parfois si répétitif, et que le début comme la fin restent aussi floues. Si la réalisation est honnête, on ne pourra s’empêcher de sourire en voyant une bougie parvenir à éclairer à la perfection une cave entière, mais ce genre de détails ne gâche pas la vision du métrage, qui reste tout de même agréable à regarder pour son ambiance, la plastique des deux actrices, et ses débordements sanglants.

Smash Cut
2009 - Canada
Genre: Comédie gore - Tueur fou
Réalisation: Lee Demarbre
Musique: Michael Dubue
Scénario: Ian Driscoll
Avec David Hess, Sasha Grey, Jesse Buck, Michael Berryman et Hershell Gordon Lewis

Abble Whitman est un réalisateur de films d’horreur à petits budgets. Son dernier film, Terror Toy, n’est pas des plus apprécié, par le public, par la critique. Il se fait descendre de tous les côtés. Tourner coute beaucoup d’argent, et les effets de son film semblent dépasser. C’est après un accident de voiture que lui vient l’idée d’utiliser les membres de son équipe technique comme accessoires de tournage. Poursuivi par un détective privé engagé par sa nouvelle actrice, April Carson, les meurtres se multiplient.

Tout juste sorti en Angleterre en DVD, Smash Cut est un hommage Canadien au cinéma de Hershell Gordon Lewis, qui rappelons le, est le créateur du genre gore dans le monde du cinéma, avec Blood Feast et 2000 maniacs. Des films qui ont certes maintenant pris un grand coup de vieux, mais qui restent importants. Lee Demarbre n’en est pas à son premier film, et pour Smash Cut, il s’offre des têtes d’affiches et des seconds rôles intéressants. Dans le rôle du réalisateur qui péte un câble, nous retrouvons David Hess, bien connu pour son rôle dans La dernière maison sur la gauche de Wes Craven (et accessoirement en quelque sorte sa version italienne, La dernière maison au fond du parc de Ruggero Deodato). Dans le rôle du producteur, nous avons Michael Berryman, qui jouait Pluto dans La Colline a des Yeux, du même Wes Craven dans les années 70 également. Et dans le rôle d’April Carson, nous retrouvons Sasha Grey, quelques mois après la sortie du film de Soderbergh, The Girlfriend Experience. Sans oublier dans un petit rôle la présence de Hershell Gordon Lewis en personne. Tout ce bon casting va s’en donner à cœur joie, car si Smash Cut parle de cinéma d’horreur, il va parfois tellement loin que pour l’apprécier, mieux vaut le voir comme une comédie gore. Le début donne le ton d’ailleurs. La mise en abyme est totale, nous sommes dans un cinéma et assistons à la projection de Terror Toy, projection à laquelle assiste Abble (David Hess donc), maquillé pour l’occasion. Le film projeté ne laissera pas le public indifférent : critiques, personnes qui quittent la salle, le film tout comme son réalisateur se font huer. Abble a besoin de nouvelles idées, de nouveaux moyens, de plus de réalisme. La solution à tous ces soucis va arriver par accident, alors qu’il raccompagne une danseuse en voiture. Un malheureux accident et la jeune femme va perdre la vie, et Abble va cacher le corps. Le désespoir du personnage est plutôt bien retranscrit en début de métrage, tout lui tombe dessus en même temps, et il ne sait absolument pas comment gérer la situation. Il se fait descendre, les effets de son nouveau film sont ratés, et un cadavre lui tombe dessus.

C’est là que fatalement, l’idée de génie (de fou) va lui arriver. Si ses effets sont ratés, s’il se fait descendre pour cela, il a avec lui, dans le coffre de sa voiture, un vrai cadavre. Pourquoi ne pas l’utiliser ? Abble va chuter dans la démence totale très rapidement. Il lui suffira de tuer pour utiliser des cadavres et divers membres humains pour rendre son film réaliste. La réaction des producteurs à la vue des rushes du métrage vont le pousser à aller encore plus loin, réécrivant le script, tuant un peu tout le monde sur son plateau. L’équipe technique du métrage va alors réduire, au fur et à mesure qu’il tuera producteurs, scénariste, créateur des effets visuels. Abble se donne corps et âme à la tâche, pour le résultat final, pour l’art, avec un grand A. Même une journaliste critiquant ses films va y passer. Au fur et à mesure de son carnage, ne se déroulant jamais sans une petite note d’humour ou des dialogues bien sentis, le scénario de son film sera réécrit en fonction des gens qu’il doit (veux) tuer et des membres ou organes qu’il récupère. David Hess est absolument parfait dans son rôle, qui reste le plus développé et le plus intéressant du métrage. Passé cela, d’autres personnages importants interviendront, mais resteront tout de même assez à l’écart. April Carson débarque en milieu de métrage, jouée par la charismatique Sasha Grey. Ici à la recherche de sa sœur (la première victime, par accident), elle engage un détective privé (un brin ridicule certes, et trouvant assez rapidement la solution). Le problème de ces personnages secondaires, c’est qu’ils ne sont pas assez exploités et restent au final très classiques. La vedette du métrage, c’est bel et bien David Hess et sa démence, ce qui n’empêche aucunement les autres acteurs de très bien jouer. On retiendra d’ailleurs surtout Michael Berryman en producteur, notamment sa scène avec David Hess en salle de montage, où ils passent en un clin d’œil à « notre boss a été retrouvé mort » à « ça peut faire de la pub pour le film », et Sasha Grey, amusante dans son rôle d’investigatrice infiltrée sur le tournage du film, et devenant la nouvelle muse de Abble.

Les différents passages entre Abble et April seront d’ailleurs de la pure comédie, et les deux acteurs s’en donnent à cœur joie. Entre deux carnages parfois assez inventifs (harpon, cutter, clapet de cinéma, valise), Abble n’oublie pas de réaliser son film, et va rapporter à sa nouvelle actrice, April, pas mal d’accessoires : tête coupée, mains coupées (ironiquement, les mains du scénariste), des yeux (celui du caméraman). Les voir s’amuser et débattre sur ces « vrais » faux accessoires est un petit moment de plaisir. Malheureusement, outre la folie du personnage, des situations, les meurtres, la bonne humeur générale et le charisme des différents acteurs, on aurait apprécié que certains points et personnages soient un peu plus développés. Cela n’enlève rien au plaisir que procure Smash Cut, un plaisir simple, parfois enfantin, bien sanglant, et une mise en abyme intéressante sur l’art de mettre en scène un film, de s’investir moralement et physiquement, comme le font certains réalisateurs. Smash Cut parodie tout cela à l’extrême, et c’est bien là son gros point fort. Une comédie dont aucune date n’est encore prévue pour la France malheureusement.

Bubble
2005 - Etats Unis
Sortie française le 10 Mai 2006
Budget: 1,6 million $
Genre: Drame
Réalisation: Steven Soderbergh
Musique: Robert Pollard
Scénario: Coleman Hough
Avec Debbie Doebereiner, Dustin Ashley, Misty Wilkins et Omar Cowan

Dans une petite ville perdue du Midwest, Martha et Kyle travaillent pour l'une des rares usines encore en activité. Malgré leur différence d'âge, leur solitude les a rapprochés et le jeune homme et celle qui pourrait être sa mère sont devenus amis. L'arrivée de Rose, une jeune mère célibataire, va tout remettre en cause. Entre les deux jeunes gens, des liens se nouent naturellement, ce qui n'est pas du goût de Martha.

Bubble est un exercice de style, un film loin d’être bête et ennuyeux comme certains ont pu le dire. Un film étrange, fait en dehors des studios Hollywoodiens, avec uniquement des acteurs amateurs, les lieux de tournage étant en général leurs vraies maisons, et la plupart des dialogues ont étés improvisés. Bubble pourrait traiter de deux sujets principaux, auxquels viendraient s’ajouter d’autres thèmes au fur et à mesure. Un sujet un peu casse gueule, ainsi que la façon de faire, d’autant plus que lors de sa sortie, le film fit un petit scandale dû à sa distribution simultanée au cinéma, en DVD et en VOD. L’homme derrière ce projet : Steven Soderbergh, à la fois présent comme réalisateur, mais également monteur et directeur de la photo sous des pseudonymes qu’il utilise régulièrement, même pour des blockbusters.  Juste après l’amusant Ocean’s twelve, Soderbergh se lance donc dans Bubble, un film beaucoup moins amusant dans ses thèmes et son histoire. Nous allons découvrir la vie de trois différents personnages. Il y a d’abord Martha, rousse, la quarantaine, vivant avec son père, s’occupant de lui. Elle travaille dans une usine produisant des poupées, la seule de la région, avec Kyle, un homme beaucoup plus jeune, vivant encore chez sa mère. Ils vivent au milieu de nulle part, dans un trou paumé. Pour survivre, Kyle enchaîne le soir sur un deuxième travail. Jour après jour, c’est la même routine qui s’installe pour eux. Une vie où ils ne s’amusent pas, une vie simple et morne. Soderbergh dresse là un portait peu glorieux de l’Amérique, où il faut travailler dur pour espérer s’en sortir. Rapidement, la vie de ses personnages va quelque peu changer avec l’arrivée de Rose. Jeune femme mignonne venant d’arriver dans l’usine, elle aussi ayant un deuxième travail, et mère d’une petite fille de deux ans. Au final, malgré cette charge de travail, les personnages n’évoluent pas, ils restent figés dans l’instant présent, espérant un avenir meilleur qui ne viendra pas.

En ce sens, le parallèle avec ses poupées vides, lisses, assemblées, est très rapidement fait. Les personnages leur ressemblent. Bien plus tard dans l’histoire, qui peu être découpées en deux parties, le parallèle est encore plus grand. Dans sa première partie, durant bien quarante minutes, le réalisateur filme calmement, sans se précipiter, le quotidien plus que banal des différents personnages. Ils se lèvent, s’occupent de leur famille, puis vont travailler, avant de se retrouver pendant la pause repas. Martha et Kyle semblent très proches. Martha est toujours présente pour lui rendre service, pour discuter avec lui après ou pendant le travail. Dans ce petit bled où il n’y a rien d’autres, ils semblent compter l’une sur l’autre. Dans ce contexte banal qui pourrait arriver à tout le monde (peut être est-ce là la raison pour laquelle Soderbergh n’a engagé que des non-professionnels pour jouer dans son film), la vie de Martha et Kyle va être chamboulée par l’arrivée de Rose. Immédiatement, Kyle et Rose vont se rapprocher, et Martha va être quelque peu exclue de ce cercle, sauf lorsqu’il faudra rendre service. Dans un style très sobre, Soderbergh développe ses personnages, la situation, et le comportement humain. Dans un sens, plus son histoire évoluera, plus on pensera par certains aspects au cinéma de Lynch, en particulier à Twin Peaks. Et l’usine à fabrication de poupées en sera la plus belle métaphore. Ces poupées ont beaux avoir une belle apparence, un sourire, être lisses, parfois comme les humains, on ne sait jamais ce qui se cache en dessous. Pour ces poupées, c’est la manière dont elles sont fabriquées qui trahissent la beauté finale. Pour nous, un homme aura beau sembler parfait sous tous les angles, on ne sait pas ce que peu abriter son esprit et ce qui se cache sous la surface des choses.

Comme nous le savons tous de par l’histoire, un meurtre va être commis, et Soderbergh, volontairement, ne nous montrera pas le meurtre. La seconde partie du métrage se déroule donc à la manière d’une enquête policière, qui sera finalement assez facile à résoudre, mais là n’est pas l’intérêt justement. L’intérêt réside dans la psychologie des personnages, les faux semblants, comment une petite faille ou un sentiment peut prendre l’emprise sur la situation et tout faire dégénérer, et comment l’esprit humain accepte tout cela. C’est de là que pourra venir le malaise à la vision du métrage pour qui arrive à rentrer dedans, pour qui acceptera son rythme volontairement lent. Et c’est de là également que la comparaison avec Twin Peaks devient encore plus inévitable, notamment dans le final. Encore une fois, on pourra applaudir face aux qualités du métrage, qualité visuelle déjà, qui parvient à nous émouvoir sans avoir recours à des effets de styles ou des artifices. Un film indépendant, intimiste, filmé avec peu de moyens avec une petite caméra. Un film au scénario simple mais travaillé, efficace. Si Soderbergh continue de faire des gros budgets, aucun doute que c’est pour se permettre ensuite des petits films comme Bubble ensuite.

Hors d'atteinte
Titre original: Out of sight
1998 - Etats Unis
Sortie française le 2 Décembre 1998
Budget: 48 millions $
Genre: Policier
Réalisation: Steven Soderbergh
Musique: David Holmes
Scénario: Scott Frank d'après Elmore Leonard
Avec George Clooney, Jennifer Lopez, Ving Rhames, Dennis Farina et Don Cheadle

Jack Foley n'a pas son pareil pour braquer en douceur les banques. Malheureusement pour lui, il est poursuivi par la guigne et se retrouve condamné pour la troisième fois à une peine de prison. Alors qu'il a vent d'un projet d'évasion dans les rangs de prisonniers, il en profite pour se faire la malle, avec l'aide de l'un de ses complices en liberté, Buddy. Karen Sisco, une marshall, tente de s'interposer ; les deux hommes l'embarquent avec eux, Jack montant dans le coffre avec elle. Coincés dans ce lieu exigu, Jack et Karen font connaissance avant de, rapidement, tomber amoureux l'un de l'autre. Un jeu du chat et de la souris commence alors entre eux deux...

Au milieu des années 90, les bonnes adaptations d’Elmore Leonard sont nombreuses. En 1995 avec déjà Get Shorty, comédie policière avec Travolta, puis en 1996 avec Jackie Brown de Tarantino, son film le moins référencé (enfin en réalité, autant, mais plus subtilement que dans Kill Bill par exemple), et sans doute un de ses meilleurs. C’est en 1998 que débarque Hors d’atteinte, qui vaudra enfin à Soderbergh, après presque 10 ans d’ignorance de la part du public et des majors après la Palme d’Or (pour Sexe, mensonges et vidéo), la reconnaissance. D’ailleurs, sans que le spectateur lambda ne s’en aperçoive, les trois films sont liés. Hors d’atteinte est produit par Danny DeVito et Barry Sonnenfeld (le producteur et le réalisateur de Get Shorty), et se permet des caméos de Michael Keaton, qui reprend son rôle de Jackie Brown, et de Samuel L. Jackson et Dennis Farina. Budgété à 48 millions de dollars, Hors d’atteinte est également la première collaboration entre George Clooney et Steven Soderbergh, avant que ceux ci ne créent leur propre société par la suite, Section Eight, pour produire des films d’auteurs au sein d’un studio sans la pression des studios. Quoi qu’il en soit, c’est donc en 1998 que Soderbergh accède à un budget lui permettant plus de choses, et il s’en donne à cœur joie dans ce métrage, mettant toute sa maîtrise de la mise en scène au service d’une histoire au départ classique, mais qui se révélera au final savoureuse. Il nous propose de suivre Jack Foley, un braqueur de banque qui aime faire les choses en douceur, braquer sans arme, sans panique, sans prise d’otage, juste en discutant. Pour cela, il n’a pas son pareil, mais la chance malheureusement n’est pas toujours avec lui. C’est après un casse ingénieux et surtout improvisé en début de métrage qu’il se retrouvera en prison à cause d’une bête panne de voiture. Direction la prison, où il rencontrera toute une série de personnages : Buddy (Ving Rhames), Maurice (Don Cheadle),  Glenn (Steve Zahn) ou encore Chirino (Luis Guzman). Des personnages très différents, haut en couleur. Bien sur, Jack ne peut rester en prison et va s’évader, avec l’aide de Buddy et de Glenn.

Et comme toute évasion, rien ne se passera comme prévu, puisque Buddy et Jack seront obligés, pour prendre la fuite, d’emmener avec eux Karen Sisco, une marshall. C’est à partir de là que la mise en scène de Soderbergh, la construction du récit, le développement des personnages et également le charme des acteurs feront mouche. George Clooney dans le rôle de Jack est charmeur au possible (le personnage de braqueur charmeur pourrait être les prémices de Ocean’s eleven trois ans plus tard), et Jennifer Lopez prouve qu’elle peut parfois être une bonne actrice, ce qui n’arrivera pas souvent, il faut bien l’avouer (outre Hors d’atteinte, on pourra citer U-Turn de Oliver Stone réalisé l’année précédente). Les deux forment un couple parfait à l’écran, et leur romance improbable est tout à fait délicieuse. La caméra de Soderbergh filme avec brio cette romance, que ce soit dans un lieu exigu, comme le coffre d’une voiture ou des lieux plus classiques (bar, hôtel). Le film s’amuse à mélanger les différents genres, que ce soit le polar, la comédie, ou la romance pure, et c’est un véritable petit plaisir. Comme souvent, Soderbergh s’intéresse finalement bien plus aux personnages qu’au côté polar de son film (comme il le fera plus tard dans Solaris, où il s’intéressera avant tout à l’histoire d’amour plutôt qu’à l’aspect science fiction du métrage). Autant dire que c’était le bon choix, la romance ne tombe jamais dans la romance à l’eau de rose, mais est tout en finesse et subtilité, les personnages se cherchent, parfois se trouvent, mais finalement, tout les oppose. Karen doit coincer Jack, mais est bien évidemment attirée par lui. Jack prépare un nouveau coup à Détroit, et tous ses problèmes vont découler de là. Trahison, faux semblants, gestes héroïques (mais finalement tout simplement humains), attirance contre nature, la vie n’est pas facile pour Jack. Karen va envahir ses pensées autant qu’il va envahir les siennes.

Filmant le tout avec retenue et sobriété, Soderbergh se permet également quelques touches d’humour bienvenues, qui ne tombent jamais dans la facilité ou l’effet de trop. On retiendra le passage de l’hôtel, ou le FBI doit prendre Jack et Buddy par surprise dans leur chambre, Karen attendant dans le hall, et où les deux malfrats échapperont sans faire exprès au FBI en prenant l’ascenseur avec une vieille dame. Jack et Karen se croiseront de loin, et, bouche bée, se feront un signe de main. Ce genre de passages, nombreux dans le film, tout bête à l’écrit, deviennent tout simplement jouissifs à l’écran. On retiendra également le portait que fait Soderbergh de ses braqueurs, un peu ratés sur les bords, ne respectant pas beaucoup les autres. C’est là la magie du film, jusqu’à un final, dont on se doute un peu, mais qui captive tout de même, car nous sommes attachés à ces personnages, et le mélange humour romance et polar fonctionne toujours, jusqu’à la dernière image. Soderbergh signe sa première réussite à gros budget, un film de personnages et de situations. Même avec un budget élevé, il reste fidèle à lui même, et ne cède pas aux effets de styles de ce genre de métrages.

Demon Wind
1990 - Etats Unis
Genre: Horreur
Réalisation: Charles Philip Moore
Musique: Bruce Wallenstein
Scénario: Charles Philip Moore
Avec Eric Larson, Francine Lapensée, Rufus Norris et Jack Forcinito

Un groupe de jeunes s'en va séjourner dans une demeure autrefois habitée par l'ancêtre de l'un deux qui fut chasseur de satanistes. Tombant sur un vieux livre, les jeunes libèrent une armada de zombies prêts à tous les décimer en attendant l'arrivée imminente du fils du démon...

Demon Wind est un petit film d’horreur tourné au début des années 90, qui est passé inaperçu, est reste encore aujourd’hui assez difficile à trouver. Même l’édition zone 1 s’avère plutôt rare, et bien entendu, sans sous titres. Demon Wind fait-il parti de ces petits bijoux oubliés, ou bien sa rareté indiquerait-elle que le film soit d’une qualité exécrable. Et bien finalement, ni l’un, ni l’autre. Disons plutôt que le métrage en question est un patchwork des différentes influences du metteur en scène, également scénariste, et que quelques fois, ça fonctionne du tonnerre, il faut l’avouer. Et d’autres fois, ça tombe à plat. L’histoire en elle même est des plus simples, et les premiers instants présagent le meilleur. La musique d’ambiance est excellente, l’ambiance réussie, les effets spéciaux également, la mise en scène, typique des années 80 (alors que le métrage date de 1990) nous rend nostalgique. Passé cette introduction, le métrage renvoi encore une fois aux années 80, avec la présentation, pendant une bonne vingtaine de minutes, des personnages principaux. Ceux ci se donnent rendez vous dans une station service paumée, gérée par des personnages étranges ne cessant de les avertir qu’il ne faut aller plus loin. Cette présentation, bien qu’un poil trop longue, met dans le bain, comme les films de l’époque, et les personnages vont se rendre fatalement dans la demeure, car déjà, les personnages de ce genre de films ne prennent jamais en note les nombreux avertissements qu’on leur donne, et ensuite parce que sinon, il n’y aurait pas de film. Bien ancré dans son époque, le film va décoller une fois les personnages sur les lieux, une bâtisse réputée hantée appartenant au grand père du héro. La bâtisse est en ruine, des squelettes sont crucifiés à des croix dehors, et le plus étrange, bien que détruite et n’ayant plus tout ses murs, une fois à l’intérieur, la bâtisse est en parfait état.

Le scénario va intégrer plutôt intelligemment différents éléments pour faire de ce lieu un lieu hanté. La brume entoure la maison (on pense à Evil Dead), les personnages ne peuvent quitter cet endroit (les voitures refusent de démarrer, le grand classique), des démons font leurs apparitions (dont le maquillage fait grandement penser au Démons de Lamberto Bava) et nous aurons également droit à la découverte d’un grimoire et de deux dagues censées tuer les démons (on pense encore une fois à Evil Dead). Charles Philip Moore, le scénariste et réalisateur, connaît ses classiques, mais parfois grâce à une mise en scène subtile à faire passer la pilule et nous captive. Toute la première heure sera plutôt réussie, malgré certains défauts, comme de voir les personnages continuer de tirer sur les démons après avoir vu qu’ils se relevaient toujours et que ça n’avait aucun effet (peut être un clin d’œil à la fin de L’au-delà de Fulci, allez savoir). Le réalisateur parvient à poser une vraie ambiance, en plus de clin d’œil, et on ne s’ennuie pas. Les personnages sont bien entendus superficiels et peu développés, mais cela ne dérange pas. Sans parvenir à faire peur, le film, se transformant alors en huit clos, fera mourir tour à tour ses personnages, malheureusement souvent en hors champ, dans une ambiance excellente. Certaines scènes seront inventives au niveau de la mise en scène, même si l’on sent les choses arriver.

Mais dans sa dernière demi-heure, le film changera de ton, adoptant un ton plus musclé, avec le siège de la maison par les démons, avec quelques personnages armés à l’intérieur de la maison. On fera rapidement le lien avec certains films de Carpenter, mais l’hommage fonctionne, et l’ensemble trouve plutôt bien sa justification dans le scénario. C’est arrivé lors du final que le tout retombe à plat, le réalisateur voulant en faire trop, accélérant l’histoire, voulant en donner toujours plus, plus de démons, plus d’effets spéciaux, plus de rebondissements, et le petit film sympathique et sans envergure devient alors décevant. Non pas que les effets ou les rebondissements, bien que parfois grotesques (vers la fin, cela fait un peu penser, surtout au niveau du maquillage d’un personnage, à The Gate 2, réalisé deux ans après), soient ratés, mais l’histoire opère un tournant pas forcément bien venu, et rendant le final ennuyeux, alors que le réalisateur s’efforce d’en mettre et d’en montrer toujours plus, et c’est bien dommage. Demon Wind reste cependant un film très agréable à regarder, qui fera passer un très bon moment, et en fan de cinéma de genre, on peut toujours s’amuser à retrouver telle ou telle influence.

Dark Floors
2008 - Finlande
Genre: Fantastique
Réalisation: Pete Riski
Musique: Ville Riippa
Scénario: Pekka Lehtosaari, Pete Riski et Lordi
Avec Lordi, Skye Bennett, Noah Huntley, William Hope et Dominique McElligott

Inquiet pour la santé de sa fille autiste, le père voit comme seule option un enlèvement de l'hôpital par la force. Une panne d'ascenseur empêche une sortie en douceur et les emprisonne avec d'autres. Pourtant l'incident est seulement le commencement d'une descente dans le cauchemar. Alors que les portes s'ouvrent, l'hôpital semble mystérieusement abandonné. Quand des corps mutilés sont trouvés, les créatures venant d'un monde obscur commencent une attaque effrayante. Il apparaît bientôt clairement que la survie du groupe repose seulement sur la petite fille...

Dark Floors ne possède pas une très bonne réputation, après être passé par divers festivals. En France, le film est toujours inédit. Dark Floors est le film du groupe Lordi, qui avait gagné l’eurovision en 2006. A première vue, Dark Floors s’annonce comme un film d’horreur, basant beaucoup sur son ambiance, et dans un sens, ayant quelques similitudes avec l’adaptation cinématographique de Silent Hill par Christophe Gans. Après la vision du métrage, c’est effectivement le cas, et c’est de là que le film de Pete Riski tirera sa plus grande force, mais également sa plus grande faiblesse, puisque le film va tout baser sur son ambiance et sa direction artistique, et laisser de côté le scénario et les personnages. Le tout débute de bien belle manière, les personnages nous sont présentés de manière très rapide et distincte après un court générique assez joli visuellement. L’intrigue débute au sein de l’hôpital, et jamais les personnages ne mettront les pieds en dehors. Sarah est une petite fille qui est autiste, elle doit rester à l’hôpital. Son père ne pense pas que ce soit la solution, et le soir venu, il décide de la faire sortir de là. Dans l’ascenseur, il se retrouvera bloqué, avec un agent de sécurité, un clochard, une infirmière et un homme d’affaire. Homme d’affaire interprété par William Hope, qui pour les connaisseurs jouait déjà dans un hôpital pour Hellraiser 2 en 1988, et deux ans plus tôt dans le Aliens de James Cameron. Des personnages tous différents, aux comportements forcément différents, mais au final, tous bien stéréotypés. A peine sortis de l’ascenseur, le film plonge dans le genre fantastique. L’hôpital est désert, ils sont au cinquième étage, et vont tenter de sortir de là, tout en comprenant ce qu’il se passe.

Malgré le petit budget du film (quasi 3 millions de dollars), la direction artistique du film est fabuleuse. Les différents décors de l’hôpital, devenant de plus en plus délabrés d’étages en étages, est sublime et raméne donc à Silent Hill. La mise en scène de Pete Riski est solide et parvient à mettre les décors tout comme les effets visuels du métrage en valeur. Jouant au début à fond la carte de l’ambiance et du mystère, jusqu’à la première apparition de fantômes. Les fantômes du film sont joués par Lordi et sa bande, et c’est là que le film perd pour la première fois en crédibilité. Non pas que les effets soient ratés, loin de là, mais alors que tout ce qui concernait les décors était très réussi et du plus bel effet, le choix du look des fantômes, pour coller à l’imagerie des membres du groupe Lordi, tombe à plat. Au fur et à mesure des différentes apparitions, on pourra même en rire, ce qui est bien dommage. La toute première apparition fera encore illusion, certaines beaucoup moins, comme lorsque l’un des monstres foncera sur le policier. Tout le monde se déroulera comme ça. Les personnages vont évoluer d’étages en étages pour tenter de sauver leur peau, mais aussi de sortir d’ici, voir l’hôpital se dégrader d’étage en étage, et toujours croiser un monstre. Les personnages, stéréotypés, vont tous réagir différemment face aux événements et à cette menace, qu’ils ne comprennent pas, comme nous, spectateurs, au départ. Nous aurons donc fatalement l’homme qui veut n’en faire qu’à sa tête, celui qui veut que tout le monde reste groupé, et le brave père qui ne pense qu’à la santé de sa fille.

Les personnages sont donc peu intéressants, et l’intrigue va se révéler bien trop rapidement, elle semblera même logique aux yeux de beaucoup de spectateurs, et en avançant, si le film conserve, c’est indéniable, ces nombreuses qualités visuelles, l’intérêt diminue. Les personnages, dont le nombre va, forcément, diminuer, vont petit à petit comprendre ce qu’il leur arrive, au fur et à mesure qu’ils vont descendre les étages, explorer l’hôpital, et croiser des fantômes. Assez rarement, la tension va monter, et lorsque le réalisateur y parviendra, quel bonheur. Tout cela aurait pu continuer jusqu’au final, où les survivants atteignent enfin le parking, mais ce ne sera pas le cas, le réalisateur et les scénaristes préférant embrouiller une dernière fois le spectateur avec quelques retournements de situations et quelques images, certes belles, mais peu utiles au récit. L’on sort quelque peu déçu de ce Dark Floors, même si l’on passe un bon moment, court (1h25 environ), pas prise de tête (sauf par moment dans le final) et visuellement magnifique. Dark Floors aurait pu être bien meilleur, mais les nombreuses faiblesses d’écriture, que ce soit dans la construction de son récit ou dans les réactions de certains personnages, fait revoir le verdict à la baisse. Dommage, mais pour un coup d’essai, ce n’est pas trop mal, et si un autre métrage doit suivre, l’on espère que l’équipe apprendra de ces erreurs et conservera ses qualités.

God's puzzle
Titre original: Kamisama no pazuru
2008 - Japon
Genre: Science fiction
Réalisation: Takashi Miike
Musique: Hikaru Ishikawa et Yuji Toriyama
Scénario: Masa Nakamura
Avec Hayato Ichihara et Mitsuki Tanimura

Deux jumeaux, l’un, Motokazu, part en Inde pour une quête initiatique, tandis que l’autre, Kiichi préfère le rock et les sushis aux cours, et se retrouve malgré tout à travailler avec une génie qui a inventée un générateur de particules pouvant créer un univers.

Présenté au marché du film à Cannes en 2008, God’s puzzle n’est pas le film le plus accessible de Takashi Miike, même si récemment, le bonhomme s’est tourné vers un cinéma plus commercial (La mort en ligne, the Great Yokai War, Crows Zero) tout en se permettant toujours quelques écarts (IZO) parfois même au sein de ces films les plus calmes. Pour God’s puzzle, c’est encore un cas à part. Doté d’un budget confortable permettant au film d’avoir de très bons effets visuels, Miike a la lourde tache de parler, pendant 2h10, d’énergie quantique, de la création de l’univers, de l’existence de dieu, d’amour de lycéens, de voyage initiatique, de comédie, de sushis et de rock. Directement, Miike se met à dos ceux qui n’aiment pas le cinéma asiatique, ceux qui n’aiment pas la science et la physique, ceux qui ne sont pas curieux, et ceux qui n’aiment pas son cinéma en général. Et avec sa multitude de thèmes, on pouvait s’attendre à un ratage total. Si God’s puzzle n’est pas une franche réussite, il n’est pas le ratage total auquel l’on pouvait s’attendre. Malgré une introduction présageant le meilleur pour la suite (un journal télévisé nous montrant le travail de Saraka, une jeune surdouée ayant créé un accélérateur de particule, suivi de la présentation des deux jumeaux), le film se traîne en longueur lors de la première heure. On a l’impression de se retrouver réellement devant un cours de physique. Les personnages parlent, débâtent, la création de l’univers nous est expliqué par des termes parfois simples, parfois scientifiques, et l’on ne comprend pas vraiment l’intérêt. Malgré quelques idées visuelles comme seul Miike aurait pu les trouver (avec l’apparition de bouton et une sourie cliquant dessus pour nous expliquer certains détails de l’histoire ou des personnages), il filme ses personnages très simplement, et les quelques notes d’humour ne suffiront pas pour que le film nous intéresse pleinement. Heureusement, Hayato Ichihara, qui joue les deux frères jumeaux, s’en sort à merveille. On croit dur comme fer à son personnage totalement paumé qui ne capte pas grand chose à toutes ces informations qui lui arrivent dessus en même temps que nous. Mitsuki Tanimura, jouant Saraka la surdouée, nous fait croire également à son personnage, renfermée sur elle même, seule, qui ne peux connaître l’amour. Deux personnages intéressants dont la relation va évoluer au fur et à mesure, malgré une certaine distance toujours de la part de Saraka.

Si la première heure fonctionne malgré tout, c’est bel et bien grâce aux deux personnages principaux. Les autres, secondaires, n’apporteront pas grand chose, outre quelques éléments comiques ou embrouilles entre les personnages, qui ne feront pas avancer des masses le récit. Pire, le film nous montrera de temps en temps Motokazu lors de son périple en Inde, et cela ne sert strictement à rien, et ralenti le rythme de l’intrigue principale. Encore une fois, Miike fait ce dont on n’attend pas de lui, parfois en maintenant l’intérêt et en nous surprenant vraiment, parfois dans le mauvais sens du terme. God’s Puzzle malheureusement compile les deux cas de figure, et le film devient donc en quelque sorte déséquilibré. La première partie sera rapidement gonflante finalement, et passé la première heure, le scénario laisse un peu les explications de côté pour s’axer pendant une petite demi-heure sur les personnages. Bien que classique, cette partie sera attachante, les deux personnages apprennent à se connaître, et sans le vouloir, des liens vont se créer. Embrouilles, discutions en tout genre, une amitié très forte va pourtant naitre entre les deux, malgré leurs différences. Saraka va pourtant vite s’éloigner de son personnage de génie pour devenir une femme pessimiste ne pourchassant qu’un seul but, et qui sera prête à tout pour l’atteindre. Allant jusqu’à faire des bêtises pouvant mettre le monde mais aussi sa propre vie en péril. C’est dans la dernière demi-heure que le film change radicalement de ton, et réveille les spectateurs qui se seraient endormis jusque là.

Cette dernière partie, malheureusement trop courte, sera l’opposé de tout ce qui a précédé. Finit les longs débats sur la création de l’univers, l’existence ou non de Dieu, nous n’aurons pas les réponses. Pour cette partie, place aux effets spéciaux (de luxe), des personnages en crises (Miike fait apparaître Kenichi Endo, que l’on a vu dans pas mal de ses métrages depuis 2001) et à quelques délires dont Miike à le secret. Les personnages résistent à tout, traversent des murs en voiture, sautent sur les doigts, font des reprises de Beethoven à la guitare électrique en situation de crise (un des meilleurs moments, jouissif) et proposent des sushis. Pour certains, du grand n’importe quoi en contradiction avec ce qui précédait, pour les autres, un petit moment de bonheur rattrapant les erreurs du début, mais qui arrive quand même tardivement. Si les deux personnages principaux sont bien définis, le film très bien réalisé, les effets spéciaux à la hauteur des ambitions du film, on regrettera longtemps son scénario trop explicatif, ses quelques séquences inutiles. Quelques personnages ainsi qu’une demi-heure en moins auraient fortement joué en la faveur du film. God’s puzzle ne figure donc pas parmi les meilleurs films de Miike, pourtant, c’est bien à ses fans que le film s’adresse, les autres trouveront probablement le film long, chiant, ou trop délirant sur la fin. Pas facile d’accès.

S. Darko
2009 - Etats Unis
Genre: Fantastique
Réalisation: Chris Fisher
Musique: Ed Harcourt
Scénario: Nathan Atkins
Avec Daveigh Chase, Elizabeth Berkley, Matthew Davis, Briana Evigan et John Hawkes

Samantha, la sœur de Donnie Darko, fuit la ville avec sa meilleure amie Trudy, 7 ans après les événements du premier film. Mais sur la route, elle est prise de visions étranges...

Une suite à Donnie Darko, chef d’œuvre unique, était-elle nécessaire ? Absolument pas ! Donnie Darko est un film qui fonctionne seul, la boucle a été bouclée à la fin du métrage. Bide lors de sa sortie en salle malgré d’excellentes critiques, le film s’est bâti rapidement une réputation, jusqu’à voir l’arrivée dans certains pays d’une édition Director’s cut. Un phénomène est né, Donnie Darko est devenu culte, grâce à l’intelligence de son scénario, de sa mise en scène, et ses thèmes qui peuvent toucher beaucoup de monde : le destin, la peur de l’avenir, la quête du bonheur. Mais le malheur arriva, avec l’annonce d’une suite pour le marché de la vidéo, mettant en scène la petite sœur de Donnie, Samantha. Puis la bande annonce tomba, et outre le fait que le film est inutile, le produit avait l’air de très mauvaise qualité. Aujourd’hui, le 12 Mai, le film débarque en dvd en Amérique. Il est à présent possible de se faire une idée en regardant le produit terminé. Et si l’on commence sa vision en se disant que nous sommes devant une merde pour la vidéo (avec pourtant un budget 3 fois supérieur à l’original…), on va tout de même tenter de rester objectif. Pourtant, en quinze minutes, nous avons l’impression de nous retrouver non pas devant une suite, mais bel et bien un remake du premier film. Samantha Darko (toujours jouée par Daveigh Chase) se tape un voyage avec sa meilleure amie, en voiture, et elles tombent en panne. Un jeune homme bien gentil s’arrête (surement attiré par le fait qu’il s’agît de deux jolies jeunes femmes) et les amène à la ville la plus proche. Jusque là, la seule chose qui nous traverse l’esprit, c’est : Pourquoi ? Tout cela ne sert à rien. Certes, mais bon, c’est passé la dixième minute que débarque la première nuit de Sam. Et là, le scénariste tout comme le réalisateur vont s’amuser, en un temps record, à user et abuser de tout ce qui faisait la force originale de Donnie Darko, premier du nom. Des plans sur le ciel en accéléré (ne servant à rien), l’insertion de la date à l’écran, une nouvelle annonce de fin du monde (dans 3 jours seulement), le passage temporel (celui dans lequel tombait le réacteur de l’avion dans le premier) et même la sorte de mur liquide qui était entre Donnie et Franck dans le premier est repris. Pire, le film, par manque d’imagination, recopiera les situations. Outre une nouvelle annonce de fin du monde, Sam est somnambule et fais également des rêves étranges, comme son frère à l’époque, et la chute du réacteur est remplacée par la chute d’une météorite. Le constat est donc affligeant jusque là, si ce n’est deux petits éléments que l’on pourra sauver. D’une part, la réalisation, bien que se calquant bien trop sur celle de Richard Kelly, est efficace et met bien en avant la qualité des effets visuels (enfin à certains moments), et d’autre part, la musique du film s’avère être de très bonne qualité.

Mais la suite de cette aventure (pas dans le même sens du terme que le premier film) sera d’un niveau bien pire, puisque continuant en permanence à copier l’original, tout en cherchant à faire plus compliqué pour pas grand chose, et à utiliser jusqu’à la moelle tous les effets. Ainsi, outre le personnage de Sam comme lien avec le premier opus (qui nous dévoilera lors d’un dialogue que sa sœur est maintenant mariée), le film cherche à compliquer plus la situation avec un personnage masculin, Justin (qui a un lien de parenté avec… Roberta Sparow, celle qui avait écrit le livre « La philosophie du voyage dans le temps ») qui sera sauvé au début du film par nul autre que Sam elle même, lors de séquences oniriques. A vouloir compliquer l’histoire et la rendre plus dense, S. Darko se planta lamentablement, puisque copiant sans vergogne l’original, rendant ainsi tout prévisible. Sam sauve Justin, donc Sam a le rôle de Franck du premier opus, Sam va donc forcément mourir, et Justin devra faire un choix. Pire, là où seul Donnie Darko pouvait voir Franck, ce qui rendait son destin et l’intrigue intéressante et captivante, ici, Sam verra des choses étranges, Justin verra Sam, mais Trudy, l’amie de Sam verra également des choses, aura l’occasion de revenir dans le temps, de faire des choix. Le film accumule ce qui faisait la force du premier film, sans pour autant sortir son épingle du jeu, puisque le spectateur connaissant tous ces éléments en voit déjà l’aboutissement, et donc l’inutilité du film. Mais ce n’est pas la même erreur du film, qui reprend sur toute sa durée (1h42) tous les éléments du premier opus. Ainsi, il ne sera pas étonnant de voir Sam débarquer dans une soirée où la caméra évoluera parmi les personnages en utilisant accélérés, ralentis, et même une petite fille sur un trampoline… Le jeu des 7 erreurs avec l’original s’installe, et les quelques nouveautés, inutiles, passent inaperçues. En voulant que les événements fantastiques arrivent aux trois personnages principaux (voir plus), aucun n’est vraiment développé, aucun n’est vraiment attachant, et les motivations de chacun deviennent floues et peu crédibles (tout comme la raison poussant à faire un tel film). Le film avance, et nous retrouvons tous les thèmes, scènes fortes et même dialogues du premier film. Très rapidement, nous aurons droit à la reprise du « Burn it to the ground », mais cette fois ci c’est une église qui prend feu (avec quelques effets de flammes numériques effroyables). Mais S. Darko ira plus loin pour montrer son lien de parenté, en reprenant également les fameux « Wake up, come closer », en reprenant le poème écrit par Sam dans le premier film, le livre sur les  voyages dans le temps, mais également une phrase de Franck détournée devenant : « Why are you looking at me so funny ? », avec évidemment beaucoup moins d’impact.

Les 45 premières minutes seront sans grande surprise, si ce n’est peut être deux petites scènes assez étonnantes par leur choix. La première ne servira bien évidemment à rien, si ce n’est à encore piller toute l’imagination de Richard Kelly, avec la création d’un masque de lapin beaucoup moins flippant que celui du premier film. La deuxième surprise, bien que ne servant pas à grand chose non plus, fera mourir un personnage important. Cela aura un but dans l’histoire, mais outre le fait d’abuser (encore une fois) des possibilités des retours dans le temps, les enjeux dramatiques de telles scènes ne fonctionnent absolument pas. Même avec toute la volonté du monde, S. Darko n’est finalement que le film auquel on s’attendait, un film vide, inutile, peu palpitant, qui sous ses faux airs de suite complexe, ne s’avère qu’un remake maladroit et irrespectueux. Les scènes n’ont aucun impact, et encore moins en comparaison du film original, et le film n’a aucune âme. Là où un tel film est censé parler de personnages, d’un sacrifice, d’un choix moral, ces données sont là, mais elles ont autant d’impact sur le spectateur que sur les personnages, creux et inutiles. Le film veut tout multiplier, se permettant deux retour dans le temps (et donc, vous l’avez deviné, deux sacrifices). La qualité relative de la mise en scène (impersonnelle) et de la musique (par moment vraiment géniale) ne sauve en rien le navire. Dans cette bouillie indigeste, sans enjeux dramatiques, incohérent par rapport à Donnie Darko (mais lui donnant encore plus de magie et confirmant son statut de film culte et de chef d’œuvre), une scène retiendra pourtant l’attention. Celle du cinéma (comme dans le premier tien, encore), où Sam, guidée par Phil, un homme d’église, essaye de visualiser son futur sur l’écran de cinéma, et ne parviendra qu’à visualiser son passé. Donnie Darko était un film sensible, humain, S. Darko est l’inverse, un film fait pour l’argent, sans talent, tout sauf sensible et humain.